Барокко

Барокко. Итальянская операОпера. Великое представление эпохи барокко

 

Первые произведения оперного жанра появились еще в позднем периоде эпохи Возрождения. Они стали важными шагами к идеалу музыкального искусства, каким его представляли авторы-гуманисты того времени. Большая часть музыкального наследия Ренессанса представляет собой сочинения композиторов франко-фламандской и итальянской школ, написанных по канонам контрапункта.

Благодаря постоянным дискуссиям и музыкальному диалогу, многие талантливые композиторы, среди которых Клаудио Монтеверди, Маренцио, Джезуальдо, сумели выделить из техники контрапункта мелодию и представить аккордовую последовательность. Результатом их творческого поиска стала гармоническая последовательность – поддержка и опора мелодии.

 

Фрагмент партитуры ВивальдиОперные театры. Италия — колыбель оперной музыки

 

Расцвет классической литературы, новая трактовка произведений древнегреческих авторов, поразительная роскошь декораций и костюмов – неотъемлемые составляющие светских театральных постановок эпохи барокко. В конце XVI века в Европе стали открываться оперные залы, они не были похожи на современные театральные площадки. Искусство принадлежало только высшим слоям населения, в театр ходили знатные аристократы.

Со временем появились платные концерты для всех желающих. Первый такой концерт состоялся в 1672 году в Англии благодаря композитору Джону Банистеру, который, учитывая народные привычки, даже открыл в театре пивную.

Показательным в эволюции оперных концертных залов является творчество Клаудио Монтеверди: если первая громкая премьера «Орфея» прошла в 1607 году для узкого круга аристократов в Мантуе, то последняя в его творчестве опера «Коронация Поппеи» прошла в 1643 году в оперном театре Санти Джованни.

Опера быстро распространилась по итальянским городам. Во Флоренции, Милане, Венеции, Риме, Неаполе, а в скором времени и по всей Италии пронеслись блестящие, завораживающие оперные представления. Везде опере сопутствовали реалистические декорации: боги и герои летали над сценой, вулканы извергали огонь, бури сметали деревья и препятствия. Постановщики того времени стремились к реалистичности и яркости декораций.

Новый жанр стал очень популярным и за пределами Италии. Открылись оперные театры в Мюнхене, Дрездене, Париже, Лондоне, других городах Европы, и уже к 1660 году итальянская оперная музыка начала свое более чем двухвековое триумфальное шествие.

Знаковыми для оперного искусства эпохи барокко стали композиторы Алессандро Скарлатти (1660-1725), Жан Батист Люлли (1632-1687), Георг Фридрих Гендель (1685-1759).

 

Репетиция оперы Марко РиччиИспанская опера. Английская опера. Французская лирическая трагедия

 

Более полутора веков при испанском дворе господствовала итальянская опера. Однако же усилиями Себастьяна Дурона (1660-1716), Антонио Литереса (1673-1747), а также Доминго Террадейаса (1713-1751) испанское музыкальное наследие эпохи барокко было приумножено новым жанром – опереттой. Оперетта того времени сильно отличалась от современного ее понимания. Постановки оперетт «Salir el amor al mundo», «Muerte en amore es ausecia», «Acis y Galatea» и многих других блестяще проходили в Испании и за ее пределами.

Английская опера XVII века сочинялась в особом жанре – «mask». Поэзия, танец и музыка в таких произведениях сочетались речитативом и особой мимикой актеров. Наиболее известные авторы этого жанра – Братья Вильям (1602-1645) и Генри Лоус (1596-1662).

Великий английский композитор Генри Перселл во второй половине XVII века разработал национальный стиль английской оперы, отразившийся в произведениях «Дидон и Энея», «Диоклетиан», «Король Артур» и «Королева фей».

Французская опера стараниями Жана Батиста Люлли первой в Европе вышла из-под итальянского музыкального влияния. Знаменитый композитор создавал оперные произведения с четкой структурой, имевшие увертюру из трех частей, балетные постановки, прекрасную оркестровую обработку.

Уменьшение передвижений на сцене, а также введение силлабических речитативов привели к появлению еще одного музыкального жанра – лирической трагедии. Яркие образцы нового жанра – «Кадм и Гермиона» (1673), «Атис» (1676), балет-комедия «Le bourgeois gentilhomme», созданный в 1670 году. Реформы Люлли повлияли на творчество целой плеяды французских композиторов и музыкантов, среди которых Андре Кампра, Марина Мараи и Жан Филипп Рамо.

 

Гравюра Исполнение кантатыДуховная музыка эпохи барокко

 

Развитие светской музыки, состоявшееся в эпоху Возрождения и барокко, привнесло большие изменения и в классическую церковную музыку. В первую очередь, в христианские богослужения прочно вошел новый жанр — оратория.

Многие музыковеды связывают ее появление с итальянским композитором Джакомо Кариссими. Основу оратории составили арии, дуэты, и многочисленные хоралы. Партитуры для ораторий составлялись из сюжетов Ветхого и Нового заветов. В 1650-1655 годах Кариссими представил свои произведения «Jephte» и «Jonas», которые были впервые исполнены в Риме и разделены на две части. Первая часть исполнялась до богослужения, а вторая – после его окончания. Кариссими оставил музыкальное наследство не только в виде сочинений, но и подготовил множество учеников, благодаря которым оратория быстро распространилась по разным европейским странам.

В дальнейшем расцвете оратории важную роль сыграло творчество Алессандро Страделла и Алессандро Скарлатти. Их нововведения, состоявшие в использовании инструментальной части из concerto grosso, вдохновили Иоганна Себастьяна Баха и Георга Генделя на создание многих произведений по принципу оратории. Лучшей ораторией всех времен, по мнению многих критиков, является «Мессия» Георга Генделя, созданная в 1742 году.

Еще одним музыкальным жанром эпохи барокко стала кантата, появившаяся в XVII столетии. Возникшая на основе мадригала, кантата, получившая сюжеты из Священного писания, стала особенно популярной в Германии благодаря творчеству Дитриха Букстехуде, Иоганна Себастьяна Баха и Георга Филиппа Телеманна.

Симфонии и концерты Томазо АльбиониКонцерт. Concerto grosso

 

Подлинным вкладом эпохи барокко в историю музыкального искусства можно считать появление концертов. Это своего рода музыкальная игра противоположностей, конструкция, где одна составная часть находится в противодействии остальным.

В XIX веке музыкальные специалисты стали применять термин «концерт», чтобы ориентировать ансамбль голосов или инструментов, но еще на грани XVI и XVII столетий Адриано Банкьери, опубликовав свои «Церковные концерты», предвосхитил тип композиции, в котором разные голоса меняются местами, чередуются, перекликаются над гармоническим сопровождением произведения.

Впоследствии термин «концерт» стали отождествлять со словом «ансамбль», а на севере Италии концертом называли оркестровое произведение, в котором отдельные группы противопоставляются друг другу по ходу основной темы.

Обычно концерт состоит из трех частей – Аллегро-Адажио-Аллегро, то есть, чередованием быстрого и медленного темпа произведения. Совершенные формы концерт принимает в сочинениях Алессандро Страделла и Арканджело Корелли, а их гениальные последователи в этом жанре, Антонио Вивальди и Георг Фридрих Гендель, создали просто великолепные образцы этого жанра.

Музыкальный ансамбль эпохи рококоСтиль позднего барокко. Рококо. Галантная музыка

 

В первой половине XVIII века во Франции появился новый стиль под названием рококо (от французского «rocaille», что означает осколки камней, раковины для отделки строений). Наибольшее распространение этот стиль позднего барокко получил в живописи и в декоративном оформлении дворцовых интерьеров.

Орнаментальные, вычурные мотивы рококо прослеживаются и в творчестве французских музыкантов того времени – Дакена, Куперена, Рамо. В целом, для рококо как музыкального направления были характерны отказ от сложного языка барокко, миниатюрность, камерность, обилие изысканных украшений. Именно поэтому некоторые музыкальные исследователи называют рококо «галантным стилем», в котором полифония сменилась гомофонией, а музыка, уйдя от «академизма» барокко, стала более изысканной и сентиментальной.

В то же время, «галантный стиль», зародившись во Франции, обрел большую популярность в Германии. Многие немецкие композиторы, сочинявшие музыку для королевских дворов Берлина и Мангейма, способствовали развитию музыкального сентиментализма.

Берлинская и Мангеймская школы достигли своего расцвета в первой половине XVIII века. Маэстро, их представлявшие, заложили предпосылки к созданию в будущем симфоний и сонат, а Мангеймская школа справедливо считается предшественницей Венской классической школы.